Principios de Diseño Escultura

Principios de Diseño Escultura

Es dudoso que algún principio del diseño escultórico sea universal en el arte de la escultura. Como los principios de la escultura que rigen la organización de los elementos de la escultura en composiciones expresivas difieren de un estilo a otro. De hecho, las distinciones hechas entre los principales estilos de escultura se basan en gran medida en el reconocimiento de las diferencias en los principios de diseño que los sustentan. Así, el historiador del arte Erwin Panofsky intentaba definir una diferencia de principio en el diseño de la escultura románica y gótica. Afirmó que las formas del románico fueron concebidas como proyecciones de un plano fuera de sí mismas. Los del gótico fueron concebidos como centrados en un eje dentro de sí mismos. Panofsky consideró que el "principio de axialidad" era "el principio esencial de la estatuaria clásica", que el gótico había redescubierto.

Los principios del diseño escultórico rigen los enfoques de los escultores en cuestiones fundamentales como la orientación, la proporción, la escala, la articulación y el equilibrio.

Eje y Planos

Para concebir y describir la orientación de las formas escultóricas entre sí, con un espectador y con su entorno, se requiere algún tipo de esquema espacial de referencia. Esto lo proporciona un sistema de ejes y planos de referencia.

Un eje es una línea central imaginaria a través de un volumen o grupo de volúmenes simétricos o casi simétricos que sugiere el pivote gravitacional de la masa. Así, todos los componentes principales del cuerpo humano tienen sus propios ejes. Mientras que una figura erguida tiene un solo eje vertical que recorre toda su longitud. Los volúmenes pueden rotar o inclinarse sobre sus ejes.

Los planos de referencia son planos imaginarios a los que se pueden referir los movimientos, posiciones y direcciones de volúmenes, ejes y superficies. Los principales planos de referencia son el frontal, el horizontal y los dos planos de perfil.

Los principios de la escultura que rigen las poses características y las composiciones espaciales de las figuras erguidas en diferentes estilos de escultura se formulan con referencia a los ejes y los cuatro planos cardinales. Por ejemplo:
El principio de axialidad ya mencionado.
El principio de frontalidad, que rige el diseño de la escultura arcaica.
El contrapposto característico (postura en la que partes del cuerpo, como la superior y la inferior, se inclinan o incluso giran en direcciones opuestas) de las figuras de Miguel Ángel.
Y en la escultura griega de pie del período clásico, la pose "quiástica" equilibrada de uso frecuente. Postura en la que el peso corporal se apoya principalmente en una pierna. Creando así un contraste de tensión y relajación entre los lados opuestos de una figura.

Dimensiones lineales, áreas, volúmenes y masas

Existen relaciones proporcionales entre dimensiones lineales, áreas y volúmenes y masas. Los tres tipos de proporciones coexisten e interactúan en la escultura, contribuyendo a su expresividad y belleza. Las actitudes hacia la proporción difieren considerablemente entre los escultores. Algunos escultores, tanto abstractos como figurativos, utilizan sistemas matemáticos de proporción. Por ejemplo, el refinamiento y la idealización de las proporciones humanas naturales fue una de las principales preocupaciones de los escultores griegos. Los escultores indios emplearon cánones iconométricos, o sistemas de proporciones cuidadosamente relacionadas. Estos determinaban las proporciones de todas las dimensiones significativas de la figura humana. Los escultores africanos y de otras tribus basan las proporciones de sus figuras en la importancia subjetiva de las partes del cuerpo. Las proporciones antinaturales pueden usarse con fines expresivos o para acomodar una escultura a su entorno. El alargamiento de las figuras en el Portail Royal ("Portal Real") de la catedral de Chartres hace ambas cosas: realza su sobrenaturalidad y también las integra con la arquitectura columnar.

proporciones de la escultura

A veces es necesario adaptar las proporciones de la escultura para que se ajusten a su posición en relación con el espectador. Una figura situada en lo alto de un edificio. Por ejemplo, suele hacerse más grande en sus partes superiores para contrarrestar los efectos del escorzo. Esto debe permitirse cuando una escultura destinada a tal posición se exhibe a la altura de los ojos en un museo.

La escala de la escultura

A veces, la escala de la escultura debe considerarse en relación con la escala de su entorno. Cuando es un elemento de un complejo mayor, como la fachada de un edificio, debe estar a escala con el resto. Otra consideración importante que los escultores deben tener en cuenta al diseñar esculturas al aire libre es la tendencia de las esculturas al aire libre, particularmente cuando se ven contra el cielo, a parecer menos masivas que en un estudio. Debido a que uno tiende a relacionar la escala de la escultura con las propias dimensiones físicas humanas, el impacto emocional de una figura colosal y una pequeña estatuilla son bastante diferentes.

Escala jerárquica

En la escultura antigua y medieval, la escala relativa de las figuras en una composición suele estar determinada por su importancia; por ejemplo, los esclavos son mucho más pequeños que los reyes o los nobles. Esto a veces se conoce como escala jerárquica.

Diferentes estilos se fusionan

La unión de una forma con otra puede realizarse de diversas formas. En gran parte del trabajo del escultor francés del siglo XIX Auguste Rodin, no hay límites claros y una forma se fusiona con otra de manera impresionista para crear una superficie que fluye continuamente. En las obras del escultor griego Praxíteles, las formas se funden suave y sutilmente mediante transiciones suaves y difuminadas. Los volúmenes de la escultura india y la anatomía superficial de las figuras masculinas al estilo del escultor griego Policlito están nítidamente definidos y claramente articulados. Una de las principales distinciones entre el trabajo de los escultores del Renacimiento italiano y del norte radica en la preferencia de los italianos por las composiciones formadas por unidades de forma claramente articuladas y distintas, y la tendencia de los europeos del norte a subordinar las partes individuales al flujo total del composición.

Los principios de equilibrio de la escultura.

El equilibrio, o el equilibrio, de la escultura independiente tiene tres aspectos. Primero, la escultura debe tener una estabilidad física real. Esto se puede lograr mediante el equilibrio natural, es decir, haciendo que la escultura sea lo suficientemente estable en sí misma como para mantenerse firme, lo cual es bastante fácil de lograr con un animal de cuatro patas o una figura reclinada, pero no con una figura de pie o una figura alta y delgada. escultura, que debe fijarse a una base. El segundo aspecto del equilibrio es la composición. La interacción de fuerzas y la distribución del peso dentro de una composición puede producir un estado de equilibrio dinámico o estático. El tercer aspecto del equilibrio se aplica solo a la escultura que representa una figura viva. Una figura humana viva se equilibra sobre dos pies haciendo constantes movimientos y ajustes musculares. Tal efecto puede transmitirse en la escultura mediante sutiles desplazamientos de forma y sugerencias de tensión y relajación.

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